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DON GIOVANNI, ARLECCHINO E IL CONVITATO DI PIETRA
dal canovaccio di Domenico Biancolelli
testo e regia di Luca Caserta
con Roberto Vandelli, Luca Mascia
con la partecipazione di Isabella Caserta
e con Luigi Distinto, Maurizio Perugini, Marco Sabatino

Note di regia
Ciò che nel canovaccio di Biancolelli poteva apparire a prima vista come un “ostacolo”, ossia la sua frammentarietà, ha rappresentato per il mio lavoro il principale punto di forza: l’originale è divenuto un vero e proprio “calderone d’idee” cui attingere liberamente, mentre le lacune da colmare sono state di stimolo per la genesi di nuove idee. Il canovaccio è così giunto a instaurare un legame quasi diacronico tra passato e presente, tra la tradizione della Commedia dell’Arte e modernità.
In tal senso ho improntato sia il lavoro drammaturgico che registico: prendere dall’originale gli elementi più significativi e rielaborarli in una chiave vicina alla sensibilità odierna, cercando una sorta d’osmosi tra vecchio e nuovo. In questo modo sarebbe stato possibile trasporre nel presente quei messaggi che Biancolelli offriva ai suoi contemporanei. In alcuni casi ho optato per l’inserimento di scene mimiche, tratte dal canovaccio o appositamente scritte, che rimandano a lazzi e atmosfere tipiche delle Commedia dell’Arte, in altri per una resa in forma dialogica più moderna di determinate scene e situazioni.
Ho voluto conferire una maggiore centralità al soprannaturale, facendone un elemento ricorrente, il fulcro attorno cui ruota l’azione. Un’atmosfera di predestinazione aleggia su tutta la vicenda, come una cappa scura che poco alla volta inghiotte i personaggi. Questi ultimi si muovono in uno spazio quasi claustrofobico, sul quale troneggiano due soli elementi scenografici sempre a vista, un piedistallo e una panca in pietra, a indicare la fissità d’una sorte cui non si può sfuggire. La loro incombenza e il colore bianco che si staglia sul nero di fondo dello spazio teatrale sono una materializzazione dell’animo di Don Giovanni, del suo vuoto interiore e della sua incapacità d’amare.
La statua del Commendatore, manifestazione concreta del soprannaturale, è una proiezione di Don Giovanni stesso, l’esplicitazione del suo alter ego interiore: l’assenza di dialoghi tra i due (l’unico è affidato a un registrato dai connotati eterei, quasi un elemento esterno alla scena) sta a significare che per Don Giovanni ogni comunicazione coi propri simili è impossibile, se non nella forma di un “non-rapporto”.
Pur se narrata secondo gli stilemi del comico, è una storia senza speranza, in cui tutto precipita progressivamente verso l’unica conclusione possibile. Per tale ragione s’avverte un clima cupo, un senso d’amarezza che aleggia sul finale. Qualcosa però resta al di là del contingente e giungerà, prima o poi, a porre ordine nelle cose. In questo senso ho interpretato lo spirito satirico del finale voluto da Biancolelli.

Luca Caserta

ANDATA/RITORNO/ANDATA
progetto di Jana Balkan
di Marco Ongaro, regia di Walter Manfré
con Isabella Caserta, Marco Ongaro
musiche e canzoni di Marco Ongaro arrangiate da Enrico Terragnoli, sequenze video di Luca Caserta, foto di scena di Andrea Darra

Note di regia
Un movimento continuo, andata - ritorno - andata, domina questa nostra riflessione/spettacolo sull’andamento della vita umana. Il tema del viaggio, ormai desueto per la continuità con cui è stato trattato dai poeti, torna qui prepotente come costante di una povera anima che, se non fosse per la propria ingenuità e la solarità che la pervade, sarebbe da catalogare nel ciclo dei vinti di verghiana memoria.
Ma qui la nostra “eroina” vince. Vince. Non trionfa.
Sa attraversare con ostinazione il momento “Peripezie” che ogni racconto impone ed arrivare al porto sicuro di un luogo senza mare dove sa ristabilire l’ “Equilibrio”.
Quanta malinconia durante il percorso, quanta paura. Ma anche quanto calore: di fuoco di legna, di farine impastate, di pani, di case, di occhi di bambini. E poi odori di morte, di vita e tradizioni e regole e leggi che gente da lei lontana ha chiamato con nomi strani. Cud!
Rimbomba questo suono e crea una eco fra i binari solitari di un treno che ogni tanto va e che lei affianca di nascosto per non farsi scoprire: conosce la sua meta e lì vuole arrivare per poi tornare e poi tornare indietro.
Il linguaggio poetico si mescola alla cronaca, il quotidiano diventa sogno, il dolore racconto.
Non più di sé ma di un’altra, ad un tratto, di una Olga come non fosse lei.
E le canzoni, storie anch’esse di altri, di sogni di altri, di vite di altri si intersecano con preghiere e sussurri e canti folklorici e litanie per essere insieme, tutti, “Poesia”.
Si pensa all’inizio di narrare in bianco e nero. Poi ti accorgi che quello non è il sentimento della storia. Cioè non è solo quello. C’è il sogno del mare, il ricordo del fuoco e l’Eldorado con il suo miraggio. Entra il colore e con esso la fiaba.
Senza il colore c’è solo cronaca.
Quella di Olga è infine, per sua fortuna, una fiaba e non temiamo di aver edulcorato troppo quella che in realtà è la storia vissuta di una persona a noi vicina, che conosciamo e che ha impastato i pani che vediamo in scena.
Un giorno, se il rombo cupo del Cud cesserà di minacciare, abbraccerà i propri bambini ormai grandi ed anche per lei ci sarà serenità: ristabilimento dell’equilibrio.
Quando tutto sarà a posto lei ricorderà, speriamo, questa sera di teatro di cui è protagonista e che forse, per un attimo, ha lenito il dispiacere della lontananza.
Una sera di teatro che a noi, senza presunzione, può servire per cercare di capire.
E non è poco.

Walter Manfré

Si tratta di una via crucis particolare e innovativa nel contenuto, che dà voce ai reietti e ai miseri, proponendo storie del nostro tempo. E’ una voce che dovrebbe colpire il cuore e la mente dell’uomo d’oggi favorendo la riflessione critica, una denuncia del male che accompagna l’uomo, riscattata dalla speranza luminosa nel Cristo risorto.
Tramite il ricorso a luoghi deputati, dislocati lungo un percorso simbolico, il pubblico si trasformerà in parte “attiva” dell’atto scenico: non uno spettatore statico, ma una compagine umana viva e partecipe, direttamente inserita nella vicenda narrata, circondata e compenetrata dalla presenza e dalle voci degli attori.
Il pubblico dovrebbe avere la sensazione di trovarsi dentro la storia, popolata da presenze e vicende che viviamo e vediamo quotidianamente, colte nella loro immediatezza e drammatica semplicità, per giungere (secondo un clima appositamente studiato dall’autrice) al momento della catarsi-redenzione finale dopo il “Quem quaeritis” e la “Visitatio Sepulcri”.

Foto e video dello spettacolo sono visualizzabili sul sito:
http://www.mariclaboggio.it/pagine/schede/humanae_crucis.html

UNA VEDOVA POCO SCALTRA
di Paolo Puppa, regia di Luca Caserta
con Jana Balkan, Isabella Caserta, Maurizio Perugini

Note di regia
In un’atmosfera rarefatta e sospesa, la vicenda di Rosaura rivive sotto forma di flashback nei ricordi dell’anziana vedova: la realtà si fa sogno o, forse, sono proprio i sogni della protagonista a divenire realtà. Gli eventi, racchiusi in gustosi quadri di corteggiamento, si succedono in una girandola di colori con la passione di un walzer di Shostakovich. Emergono, nello spezzettamento e nell’astrazione dei nessi logici, i meccanismi tipici dell’inconscio onirico: la scansione delle scene, basata su accostamenti associativi, nonché i continui scambi di ruoli richiamano alla memoria modelli cinematografici, come la sintassi lynchiana.
La struttura narrativa, forte della commistione linguistica voluta dall’autore, ha la sua vis nelle figure dei pretendenti alla mano di Rosaura, la cui comicità si vorrebbe far scaturire dalle particolarità dei rispettivi idiomi, oltre che dalla mimica e dalla tecnica interpretativa degli attori. A tal proposito s’è affidato il ruolo dei tre amanti (il francese, l’inglese e lo spagnolo) a un uno solo di essi, che, come in un ballo in maschera, passerebbe da un personaggio all’altro mettendo in discussione la percezione della realtà secondo l’ottica distorta del sogno o della follia. Anche Rosaura è sdoppiata in se stessa da giovane e da vecchia, dando così vita a un continuo sfasamento del reale. Il passaggio da una scena all’altra è costruito su una rarefazione dei movimenti, con i personaggi che richiamano visivamente gli “autòmata” e i meccanismi di un orologio animato. L’elemento “tempo” e il suo fluire divengono in tal modo incombenti, a sottolineare come tutto scorra inesorabilmente senza quasi lasciarci una possibilità di scelta razionale, manichini nelle mani di forze a noi estranee.
L’originaria ambientazione a ridosso del carnevale veneziano, presente nel testo di Goldoni, ritornerebbe, quindi, come sottotesto nel tema del “mascheramento”, che ridefinisce il confine tra realtà e finzione: attori che interpretano personaggi in abiti d’epoca o persone reali che scaturiscono dal magma temporale per vivere nel breve spazio della scena teatrale? Un solo uomo che diventa più individui sotto gli occhi degli spettatori; gli spasimanti, i cui tratti stereotipati rimandano a “tipi” e, quindi, a maschere o marionette; la lingua italiana, a sua volta camuffata con improbabili idiomi stranieri; il Conte di Bosco Nero che, allo stesso tempo, è Arlecchino e professore di lingue. Quest’ultimo è reso sulla scena con le fattezze di un enigmatico fantoccio-spaventapasseri, la cui voce registrata assume sfumature diaboliche a ricordare l’origine demoniaca del personaggio: tale immagine si rifà ironicamente all’immobilità di alcuni ambienti accademici che il professore incarna, ma simboleggia anche l’inconsistenza di quest’uomo come amante della giovane Rosaura, la formalità d’un rapporto privo d’amore e, di fatto, il fallimento di vita della donna. Il dialogo tra i due assume in tal modo connotati surreali, giocando sull’alternanza di voce dal vivo e registrato, che porta a una ripetizione-congestione delle frasi e delle situazioni in una sorta di cortocircuito onirico, al quale fa da sfondo una sempre maggiore astrazione dei movimenti.
Il tutto, visto attraverso la lente deformata del miraggio, rimanda appunto (seppur in chiave comica) alla dimensione del sogno per mezzo di un costante gioco di specchi, sul quale in apertura e chiusura incombe un temporale lontano quanto minaccioso, indice di una frattura nel continuum spazio-temporale da cui emergono caratteri e storie che prendono forma e vita dinanzi agli spettatori.

Luca Caserta

LA BISBETICA NON DOMATA
testo e regia di Luca Caserta
con Isabella Caserta, Oscar Vallisari, Maurizio Perugini, Elisa Bertato, Vito Vinci, Anna Benico

musiche dal vivo eseguite dal gruppo Kuma Kan

testo liberamente ispirato a "La bisbetica domata" di William Shakespeare

Note di regia
In un ipotetico futuro postbellico, i sopravvissuti vivono barricati in piccole comunità fortificate e autosufficienti, che li isolano dai territori esterni ormai ridotti a una landa riarsa e desolata a causa della catastrofe ecologica seguita alla guerra. E’ un mondo aspro e difficile, un’età di mezzo, una sorta di “nuovo Medioevo”, in cui gli uomini possono contare solo sulle proprie forze.
Seguendo le rotte commerciali, alcuni viandanti giungono presso la comunità del ricco Battista, dove fanno conoscenza delle sue figlie: Caterina, bisbetica e insopportabile, e Bianca, maliziosa e romantica. Desiderosi di sedurle per poterle sposare, i viaggiatori si fanno quindi ospitare, dando inizio a un gioco scenico fatto di comicità, equivoci, spassose menzogne e travestimenti che condurranno alla scena finale, un mondo alla rovescia in cui ordine e ruoli sociali saranno ridefiniti.

L’ambientazione di tipo “postatomico”, da George Miller in poi, propone un mondo arido e decadente, nel quale i sopravvissuti hanno costruito comunità autonome utilizzando ciò che è rimasto: agglomerati, vere e proprie moderne roccaforti di reminiscenza medievale che sorgono come oasi in mezzo a vaste lande deserte e le cui mura sono fatte di materiali di scarto, lamiere, copertoni, ferraglia. Come Crusoe, gli esseri umani si sono adattati all’ambiente circostante. Il cibo, se non è procurato tramite la caccia, viene portato da lunghe carovane che, spostandosi di villaggio in villaggio, percorrono le rotte commerciali, le uniche vie che tagliano in più direzioni le Terre Aride, popolate da contrabbandieri, predoni, criminali d’ogni genere e contaminate dalle radiazioni causate dalla guerra. Mari, oceani e laghi sono quasi del tutto scomparsi, di essi resta solamente un ricordo lontano e leggendario. Acqua e benzina sono diventate la vera merce di scambio. Il deserto diventa un “non luogo” in cui ogni direzione è possibile e nessuna ha un senso, in cui ogni posto è identico all’altro. E’ un universo selvaggio e spietato, privo di memoria storica, in cui l’uomo cerca di sfruttare ciò che ha a disposizione per creare un nuovo ordine, combattendo quotidianamente per la sopravvivenza.
La forza dialogica del testo è divisa fra due poli contrapposti: da un lato, la coppia Caterina-Petruccio, all’interno della quale nessuna relazione sentimentale o umana è possibile, ogni parola e gesto è espressione di una violenza verbale e fisica; dall’altro, la coppia Bianca-Lucenzio, in cui tutto è sentimento, sensualità, espressione, comunicazione. Questi due poli, indubbiamente portati alle loro estreme conseguenze fino a renderli quasi caricaturali e a cui fanno da contrappunto le figure di Battista e Ortensia, incarnano la contraddittorietà di un mondo disorientato, regredito, individualista, privo di punti di riferimento, popolato da oasi-comunità autosufficienti separate da terre deserte e sterminate, incapaci anch’esse di comunicare tra loro, in cui tutti i rapporti possibili sono racchiusi all’interno di quelle piccole mura fortificate e chi viene da fuori è visto con sospetto come minaccia, come "straniero".

Luca Caserta

rassegna stampa

La bisbetica non domata

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La bisbetica non domata

DONNE NELLA STORIA
testo e regia di Luca Caserta
con Jana Balkan, Elisa Bertato, Isabella Caserta

testo segnalato dalla Giuria SIAD (Società Italiana Autori Drammatici) all'VIII Edizione del "Premio Calcante" (Roma, Biblioteca del Burcardo, 2006)

Note di regia
All’interno di un limbo sospeso nello spazio-tempo, spiriti femminili si “servono” a turno del corpo di tre donne per dare vita ai propri ricordi e offrirli agli spettatori. Figure provenienti dal mito e dalla storia passata e recente s’alternano sulla scena, conducendo gli spettatori in un viaggio attraverso il tempo, senza una precisa scansione cronologica, ma con continui balzi da un’epoca all’altra.
Si tratta di flash, piccoli ritratti che cercano di evidenziare momenti peculiari del vissuto dei vari personaggi, non sempre noti, ma anche “marginali”, suddivisi in diversi “gironi” (mogli, madri, amanti e visionarie): da Ecuba a Matilde di Canossa, da Giovanna d’Arco alle madri di Plaza de Mayo, da Lucrezia Borgia alle donne di Chernobyl, da Didone a Isotta Nogarola, da Cassandra a Ilaria Alpi. Personaggi apparentemente slegati tra loro finiscono per mostrare l’esistenza di una sottile linea rossa che unisce, forse da sempre, la storia antica a quella moderna.
Sulla scena sono presenti tre attrici, la cui funzione è quella appunto di dare voce e corpo ai vari personaggi. Il loro aspetto è simile a quello di statue, che si animano nel momento in cui raccontano (rivivendola) la vicenda delle varie donne. Uniformate dallo stesso costume, le interpreti si presentano come una sorta di intermediarie, delle quali gli spiriti si servono per poter parlare. Attorno a loro s’aggirano altre figure inquietanti ed enigmatiche, che popolano questa sorta di “antinferno” abitato da anime senza pace.

Luca Caserta

rassegna stampa